On a aimé:

• I Love Paris de Nicky Murphy:

Aisément un des meilleurs films de cette 30ème édition du festival. Réalisé par un Australien mais en collaboration étroite avec une équipe française et tournée entièrement à Paris – comme son nom l’indique – en style « mockumentaire », le film suit une jeune chanteuse dont le nom de scène est… Paris, qui va rencontrer quelques vampires dans sa quête de succès. C’est drôle, frais et queer, et ça doit beaucoup à l’interprète au charme irrésistible du rôle principal, Aminata Thiboult, qui est aussi co-scénariste, co-productrice etc. Pour celleux qui ont aimé Les Reines du drame, sachez qu’I Love Paris est entre le crossover et la suite semi-officielle… De quoi donner envie si je ne vous avais pas convaincu jusque-là !

Pauline

• Teenage Sex and Death At Camp Miasma de Jane Schoenbrun :

Notre collègue Juliette a tout bien dit ici.

• GrotesQQQue d’Atsushi Nishigori

Trois « épisodes » ou courts-métrages, de style d’animation différent à chaque fois, réunis dans un seul long-métrage, tel est le concept de GrotesQQQue (avec trois « q », oui, mais ce n’est pas une quelconque indication de ce qui s’y passe, n’ayez pas l’esprit mal placé…) Bien que les trois ne soient pas reliés entre eux narrativement, ils partagent tous des caractéristiques Cinématraquo-compatibles.

Le premier, A(e)liens, parle de la difficile intégration d’extraterrestres au Japon et prône un message d’ouverture : au vu du repli identitaire du pays dans les dernières années, c’est une vraie bouffée d’air frais, en plus d’être très kawaii.

Dans Yoroshiku Girl, des jeunes filles s’emparent d’un jeu de réalité virtuelle populaire qui consiste (comme souvent) à s’entretuer, mais éliminent tout d’abord tous les joueurs masculins. Cette mise en concurrence féminine et sanglante « pour de faux » n’empêche pas de mettre en valeur la sororité, que ce soit entre certaines joueuses et/ou au coeur de l’intrigue sous-jacente, plus émouvante qu’on n’aurait pu le croire au départ.

Enfin, dans Nocturne: Nuit Grotesque, un petit groupe de jeunes femmes vampires errent dans une Terre post-apocalyptique. Plutôt bucolique et poétique qu’anxiogène cependant, même si tout n’est pas rose. Il y aussi un sous-texte lesbien qui prend de l’ampleur au fur et à mesure, et des scènes de « nuit » très belles. Queer, sororal et pro-immigration, sans oublier de nous régaler visuellement, Atsushi Nishigori a tout compris.

Pauline

• Break Free de Yu Nakamoto & The Specials de Eiji Uchida

Double-feature artificiel parce que ces deux films ont un gros point commun : des yakuzas qui se mettent à… la danse ! Dans le premier, c’est par rentrée de fonds insuffisante pour faire survivre leur clan que les gangsters essayent de monétiser leur compte TikTok, à coups de challenges dansants. Dans le second, participer à une compétition de danse est le seul moyen pour une bande de tueurs à gages d’avoir une chance d’éliminer un boss yakuza, qui vit reclus le reste du temps. Bien que très drôles et assez légers en apparence, les deux films comportent néanmoins un petit côté sombre, histoire de ne pas oublier qu’on a affaire à des personnages historiquement violents. Il est aussi intéressant d’en apprendre un peu plus au passage sur ces lois anti-yakuza (Botaiho) au Japon, qui, entre autres, isolent financièrement tout membre actif de ces organisations.

Point bonus pour The Specials: la présence au casting du magnifique Nakamoto Yuta, un des membres du groupe de k-pop NCT (cette ligne a été rédigée avec des cœurs dans les yeux.)

Pauline

• Colony de Yeon Sang-ho

Déjà sorti en France (bande de crâneurs), Colony marque le retour aux affaires de Yeon Sang-ho, aka monsieur Dernier train pour Busan… mais aussi Peninsula, sa « suite » que tout le monde préférerait oublier. Entre quasiment deux films par an et des productions à la pelle pour Netflix, peut-être que quelqu’un devrait lui dire que le repos, c’est quand même pas mal parfois. Pour autant, le réalisateur revient au genre qui a propulsé sa carrière : le film de zombies… mais avec un twist !

La conférence d’une grande entreprise pharmaceutique tourne au drame quand un virus est libéré et transforme ses victimes en bons gros mangeurs de chair. Au premier abord, ils ont l’air cons comme des meubles, et pourtant ils évoluent : la masse de morts-vivants partage une conscience collective et apprend de ses expériences pour mieux traquer ses proies. C’est ca, le truc qui permet à Colony de sortir son épingle du jeu, après un début ultra-référencé : un immeuble et ses survivants mis en quarantaine à la manière d’un REC, des zones commerciales qui rappellent un certain Romero… Et hop, on change continuellement. Yeon Sang-ho parvient à duper les attentes de son public comme de ses personnages, pour qui il n’a pas peur d’avoir une grande cruauté. Exacerbé par la mise en scène, la musique et les chorégraphies des mutants, le sentiment de masse collective prend et fout les chocottes. Bref : un bon cru.

Gabin

• Le Château d’Arioka (The Samurai and the Prisoner) de Kiyoshi Kurosawa

Également présenté à Cannes 2026, le dernier film de K. Kurosawa détonne un peu de sa filmographie, d’habitude plutôt penchée vers l’horreur ou l’anxiogène (pas pour vous commander mais vous devriez écouter ou réécouter le super épisode de notre podcast sur lui.) Ici, il adapte le roman Kokurōjō de Honobu Yonezawa, sorti il y a 5 ans, où plusieurs meurtres et mystères menacent la paix du château d’Arioka appartenant au seigneur Araki Murashige. Pour couronner le tout, ce dernier est en guerre avec le puissant Oda Nobunaga, et doit donc affronter troubles intérieurs et extérieurs, les deux étant étamt aussi potentiellement liés…

Si vous cherchez des combats au sabre, passez votre chemin, ici les samouraï utilisent leurs cerveaux et leurs langues plutôt que leurs bras, mais le résultat n’en est pas moins plaisant ! Bien qu’assez dense (le film dure 2h30), Le Château d’Arioka est passionnant avec ses intrigues politiques et religieuses, sa représentation des rapports de force en tout genre entre personnes ayant réellement existé (même s’il s’agit bien d’une oeuvre de fiction) et ses magnifiques images du Japon sur quatre saisons.

Sortie prévue en France : 27 janvier 2027

Pauline

• The Leader de Michael Gallagher

Sur le papier, The Leader aurait pu être un bon vieux biopic classique et ronflant, mais spoiler alert : c’était loin d’être le cas. Avec une séance archi-complète du fait de la venue de l’une de ses têtes d’affiche (et vedette de l’horreur) Vera Farmiga, le film de Michael Gallagher est une excellente surprise. Le réalisateur s’est approprié l’un des événements qui a marqué sa communauté : le plus grand suicide de masse de l’histoire des États-Unis, mené en 1997 par la secte Heaven’s Gate, fondée par Marshall Applewhite (Tim Blake Nelson) et Bonnie Nettles (Vera Farmiga).

En jouant avec sa structure non-linéaire, les formats d’image et différentes palettes de couleurs, Gallagher sort déjà de la mouture traditionnelle du biopic. Mais c’est surtout sa façon d’aller sans jugement au cœur de son sujet – comment un groupe tel que celui-ci peut naître, quel est son quotidien et qu’est-ce qui donne envie à ses adeptes de le rejoindre – qui fonctionne. Ce qui se dessine peu à peu devant nous, c’est un système protocolaire ultra-rigide… et pourtant né d’impulsions ou de petites blagues. Un écart parfois monstrueux, à l’image du personnage campé par Tim Blake Nelson, contrebalancé par l’humanité de celui de Vera Farmiga, qui se détache peu à peu de cette influence. Probablement l’un des meilleurs rôles de l’actrice, désormais libérée de la franchise The Conjuring !

Gabin

• Tokyo Burst : Crime City de Eiji Uchida

Premier spin-off de la franchise des thrillers policiers coréens The Roundup, Tokyo Burst : Crime City rassemble tous les ingrédients qui ont fait le succès (à tort ou à raison) de ses aînés. À commencer par un premier rôle au charisme implacable… mais qui est tout le contraire de son équivalent coréen, incarné par Ma Dong-seok. Ici, le réalisateur Eiji Uchida suit Aiba (Koshi Mizukami), un jeunot tout frêle et tout juste recruté comme détective dans la police japonaise. Originaire du quartier de Kabuchiko, il connait tous les locaux… vilains y compris. Contraint de faire équipe avec Cho (Jung Yun-ho, star de k-pop en plein revival), un agent spécial coréen, pour coffrer des gros méchants pas beaux, le duo s’écharpe et rompt toutes les règles en place pour mener son enquête à bien. Oui, les violences policières banalisées, c’est quelque chose dans cette franchise.

Et ce n’est pas parce qu’Aida est tout le contraire du personnage de Ma Dong-seok qu’il ne sait pas se battre, bien au contraire. Tokyo Burst va même encore un peu plus loin niveau violence et absurdité des combats, entre une course-poursuite à vélo qui ferait frémir notre Gaël national de plaisir, ou une bataille avec des jeunes « hosts » fringuants (des garçons très apprêtés qui vous accompagnent, moyennant finances, dans un bar/restaurant). Rien d’extraordinaire ou de révolutionnaire niveau scénario, mais c’est l’exemple typique du film de tatanes qui vous vide la tête quand vous en avez besoin.

Gabin

• Wind Breaker de Kentaro Hagiwara

On était venus pour la bagarre… et on l’a eue. Adapté du manga de Satoru Nii, Wind Breaker est l’un des gros défouloirs de cette édition de Fantasia. Il suit Sakura, un nouveau venu dans la ville de Makochi. Marginalisé pour son physique « atypique » (une chevelure et des yeux bicolores, en gros, la différence c’est mal vous voyez), il fait peu confiance aux autres et a pour seule envie de devenir le meilleur combattant du coin. Mais c’est sans compter sur l’esprit d’équipe absolu des Bofurin, un groupe de lycéens qui veille au bien-être des habitants, et pris dans une guerre avec le gang des Shishitoren.

En bref : une armée de beaux gosses (menée par Koshi Mizukami, également dans Tokyo Burst mentionné ci-dessus) qui se bagarre, mais sans avoir la même notion de ce à quoi elle sert. Il y a ceux qui frappent par pur plaisir, et ceux qui le font par simple nécessité. On a beau être en live-action, Kentaro Hagiwara conserve une mise en scène vivante et colorée, qui donnerait l’impression de sortir tout juste du manga (déjà adapté en série animée par ailleurs). Et pour rester dans le sous-texte queer, là aussi il y a de quoi faire… ou ne serait-ce que des ados pas craintifs d’exprimer leurs sentiments ou leurs faiblesses. Un régal, donc.

Gabin

• Mum, I’m Alien Pregnant de Sean Wallace et Jordan Dodson

Un bon délire néo-zélandais auquel on a consacré un article entier ici !

On est déçu.e.s:

• Her Private Hell de Nicolas Winding Refn (ou NWR pour les intimes)

On vous dit tout en détails juste ici (et on plaint celleux qui le verront au Festival de Deauville, où il vient tout juste d’être annoncé).

• Tristes Tropiques de Park Hoon-jung

Après le très fun The Childe (Fantasia 2023) et le sympathique diptyque The Witch, j’attendais impatiemment le nouveau film de Park Hoon-jung. Peut-être que le succès lui est un peu monté à la tête ou qu’il a juste voulu s’essayer à un autre style, mais dans Tristes Tropiques (en français dans le texte) le Coréen essaye un peu trop de se la jouer « artsy ». Pour une histoire d’enfants tueurs élevés dans la jungle thaïlandaise, on aura le droit à beaucoup de voix off, de longs plans sur la pluie qui tombe, et vraiment pas assez d’action, le tout étiré sur 2 heures. Le combat final est jouissif, ceci dit, et le personnage principal masculin est plein de surprises, bien interprété par Lee Shin-young.

Pauline

• Beasts Clutching at Straws de Hideo Jojo

Des destins croisés autour d’une valise plein de billets, voilà en résumé le pitch du roman (2011) de Keisuke Sone et de cette nouvelle adaptation cinématographique – la Corée du Sud avait aussi tenté le coup en 2020. Ce qui se veut une comédie noire pourrait effectivement bien marcher sur le papier ou peut-être entre les mains d’un.e autre réalisateur.ice, mais en plus de tomber globalement à plat ici, on doit subir la vision d’un personnage féminin battu et violé par son mari, et qui n’aura même pas la maigre consolation de finir vengée et/ou riche. Inutile et plutôt dégueulasse.

Pauline

• Someone’s Daughter de Wiebke von Carolsfeld

Là aussi, on vous en parle plus longuement ! Et on a plutôt hâte de revoir François Arnaud dans la saison 2 de Heated Rivalry.

L’article [Fantasia 2026] : les tops et flops de Gabin & Pauline est apparu en premier sur Cinématraque.

Au départ, on se retrouve devant un épisode de It’s Buddy, équivalent « licornesque » de L’Île aux enfants, où Buddy et ses amis se retrouvent chaque jour pour mêler le fun à de nouvelles leçons de vie. Format 4/3, couleurs criardes et kitsch assumé : l’inspiration se trouve bien dans tous les shows pour enfants des années 70-80. En plus de Buddy, qui conclut chaque épisode par un beau câlin général, les enfants gravitent autour d’une bande de personnages récurrents : Betty la lapine rose, Nancy l’infirmière, Charlie le train (doublé par Michael Shannon, au cas où c’était pas déjà assez wtf), Strappy le sac à dos et… Mr. Mailbox, une boite aux lettres avec des p’tits yeux toute mimi. Tout est beau, innocent et un peu mièvre… jusqu’à ce que les enfants, la jeune Freddy en tête, commencent à voir que quelque chose ne va pas.

Comment sont-ils arrivés ici ? Pourquoi le casting de l’émission change régulièrement comme si de rien n’était ? Pourquoi les anciens enfants acteurs ont-ils disparu ? ET POURQUOI BUDDY VEUT TOUJOURS FAIRE UN CÂLIN À TOUT LE MONDE À LA FIN DE L’ÉMISSION ? Buddy réussit à rendre son lore vraisemblable sans pour autant tomber dans la surenchère explicative qui affecte certaines productions horrifiques. Il reste suffisamment de mystère autour de cette licorne pour donner envie de creuser davantage l’univers (on ne sait jamais) ou tout simplement se faire sa propre idée. Cette absence de réponse, c’est aussi ce qui permet à ce monstre de conserver son aura et de faire persister la peur qu’il suscite. Tout ce que l’on voit, c’est un être hybride, mi-mascotte mi-démon, qui prend de plus en plus le contrôle de son monde télévisuel, générique de fin compris… mais aussi de ce qui se trouve au-delà de la clôture de sa maison.

Bien que ses personnages principaux soient des enfants, Buddy est loin, très loin de les épargner. Outre son cynisme, sa violence exacerbée et ultra-graphique rappelle bel et bien les origines « adult-swimmiennes » de son réalisateur. À côté, Five Nights At Freddy’s, c’est vraiment du pipi de chat.

Buddy, un film de Casper Kelly. Avec Keegan Michael-Key, Cristin Milioti, Topher Grace… Sortie québécoise le 28 août 2026. Date de sortie française inconnue. Présenté au Festival Fantasia. 

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Mehdi pour Dry Leaf :

Quand les votes Cinématraque ont livré leur verdict et que ces deux films n’ont pas pu être partagé, j’ai compris que l’univers cosmique nous avait encore une fois guidé vers la vérité absolue. Car Dry Leaf  et L’Odyssée sont incontournables. Les deux racontent la quête d’un père pour retrouver son enfant, et le périple qui s’en suit. Les deux ont fait parlé pour la caméra choisie pour tourner le film. Et j’imagine que les deux ont eu un box-office similaire mais je n’ai pas eu le temps de vérifier cette info.

Dry Leaf du réalisateur géorgien Alexandre Koberidze suit effectivement un père qui suit les traces de sa fille journaliste, disparue alors qu’elle devait faire un reportage sur les terrains de foot en Géorgie. Pour la retrouver, il va donc de terrain en terrain, avec l’espoir ténu de tomber sur elle. Le film est tournée avec un Sony Ericsson W595, nous vous recommandons donc de trouver une salle en IMAX qui le diffuse pour bénéficier de conditions optimales de visionnage. Cela perd le film dans le temps. Comme son personnage principal qui erre dans des lieux qui semblent abandonnés, le film se détache de tout marqueur temporel et nous invite à nous perdre également dans une Géorgie imparfaitement rendue, presque masquée par les pixels.

Contrairement à Ulysse, le père rencontre peu de monde dans sa quête, et la civilisation semble être déjà tombée depuis longtemps. Parmi les vestiges d’un âge d’or révolu : des buts de football érigés un peu partout, échos d’une époque où l’on se rassemblait pour jouer. Ces cages de buts abandonnés, perdant leur sens dans des carrières désertes, se transforment en autels mystérieux à des divinités que des archéologues d’un futur lointain seraient bien en peine de retrouver. Sorti, dans la période de la Coupe du monde, Dry Leaf, en incarne le pôle exactement contraire : celui du foot sur des terrains non rectangulaires, où seuls deux buts posés n’importe comment suffisent à créer le sport. Ces images troubles et hantées resteront longtemps dans ma mémoire.

Renaud pour L’Odyssée :

Quoi de plus basique que de choisir un film de Christopher Nolan pour son coup de coeur du mois, voire de l’année ? Le réalisateur est devenu tellement plebiscité, si apprécié autant du public que de la critique, que cela peut paraître suspect. Pourtant, le sens du vent est parfois le sens du vrai comme c’est le cas ici. Après la consécration Oppenheimer, le réalisateur britannique avait à nouveau Hollywood à ses pieds et pouvait faire valider n’importe quel projet, aussi casse-gueule qu’il soit. Néanmoins, que son choix se porte sur un des récits fondateurs les plus emblématiques et universels que la culture occidentale connaisse n’a en soi rien de surprenant. L’Odyssée est un récit raconté dans le désordre, sur un homme séparé de sa femme qui veut la retrouver… L’évidence était là.

Ce qui l’était moins au premier regard, et qui fait la vraie réussite du film, c’est sa manière de s’inscrire dans le prolongement du cinéma crépusculaire et apocalyptique nolanien dont l’incarnation la plus évidente est Oppenheimer. En faisant le choix de relire Homère et le monde après la guerre de Troie comme un territoire abandonné par les dieux, où les hommes ignorent la morale qui fait le respect de l’autre, et où la ruse du Cheval en bois d’Ulysse est repensée comme un blasphème à la déflagration nucléaire, Christopher Nolan se montre très conscient du moment où il crée son cinéma.

Son Odyssée parle bien de notre monde, des vices et des crimes des sociétés occidentales, des violences des hommes sur les femmes et des soldats sur les civils. Sa manière de penser le Cheval de Troie évoque immédiatement l’affaire des bipeurs explosifs, pas parce que Nolan s’en inspire (le tournage était déjà bien entamée lorsque cet événément terrible est arrivé) mais parce qu’il a le doigt sur le poul de notre monde, consciemment ou non. Volontairement ou non également, il place au coeur du péché central du film le sacrifice d’un homme qui se trouve joué par un acteur trans. Quoi de plus représentatif que cela pour notre époque, et spécifiquement même pour parler des Etats-Unis et leur folie meurtrière ? Heureusement qu’il y a quelqu’un comme lui pour encore rappeler que le cinéma à grand spectacle peut encore prétendre à être plus qu’un divertissement.

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Mehdi : le film Kill Bill, the whole bloody affair de Quentin Tarantino

Bon, ok, c’est un peu bête en 2026 de recommander Kill Bill. Mais j’ai profité de sa ressortie en version « intégrale » (les deux films à la suite, avec un léger remontage), pour découvrir le film dont les posters ornaient les chambres de tant de mes camarades des années 90/2000. Car oui, je n’avais jamais vu Kill Bill tout en ayant l’impression de connaître le film par cœur.

Eh bien ma foi, c’est pas mal. La quête destructrice de ***** fonctionne toujours autant. L’amoncellement de références réussit toujours l’exploit de ne pas être indigeste. La version intégrale ajoute peut-être une urgence et une puissance à cette trajectoire inarrêtable, mais elle ajoute aussi une petite sensation de trop-plein qui pouvait justifier le découpage en deux films (mais on déteste quand même Harvey Weinstein). Uma Thurman est fantastique dans un film qui tourne en permanence autour d’elle. (et on n’oublie pas que Tarantino est responsable de son accident de tournage). Bref pour les quelques uns qui n’ont pas vus Kill Bill c’est une très bonne occasion de le voir !

PS : pas la peine de rester pour l’horreur faite sur Fortnite en post-générique, c’est dispo sur YouTube. (aussi, c’est nul, ndlr)

Pauline: Lady Snowblood, de Toshiya Fujita

Dans un clin d’oeil maléfique au coup de coeur de Mehdi ci-dessus, le mien sera précisément le film qui a « inspiré » Quentin pour Kill Bill. Je mets des guillemets à « inspiré » parce que ce fétichiste des pieds a plutôt pompé sans vergogne ce film de 1973, lui-même adapté du manga du même nom. Brillamment interprétée par la sublime Meiko Kaji, le personnage de Yuki (la Madame Neige de Sang donc) naît en prison d’une mère qui a vu son mari et son premier fils assassinés sous ses yeux, avant d’être violée. Avant de mourir en couches, elle jure de se venger de leurs bourreaux à travers sa fille, qu’elle envoie être élevée et entraînée par un maître de sabre. Un prémisse joyeux et solaire, donc.

Si ni Lady Snowblood ni Kill Bill n’ont l’apanage des femmes vengeresses, il est en revanche pénible de constater à quel point Tarantino a repris des scènes quasi plans par plans. Je pense par exemple à ce duel final dans un jardin enneigé, qui existe dans le film japonais et est devenu une des séquences iconiques de Kill Bill: Volume 1 avec Uma Thurman et Lucy Liu, dans son personnage d’O-Ren Ishii également fortement inspiré de Yuki. Bref, même si en toute honnêteté j’aurais toujours une petite affection pour Kill Bill 1&2, je ne peux que vous recommander de voir ce superbe film et de rendre à César ce qui appartient à César.

Renaud : Faire un film !

Une fois n’est pas coutume, je twiste le concept et ne parle pas d’un coup de cœur film à proprement parler mais plutôt de mon moment cinéma du mois favori, et ce fut sans aucun doute possible le fait de tourner un film !

En tant que personne qui a écrit un peu pour l’animation télé, et pour des courts-métrages en plus du théâtre, j’ai rarement l’occasion d’être du côté de la réalisation. Et comme j’en avais marre des délais de financement sur d’autres trucs, on a décidé avec un ami de tourner entre nous, avec quelques techniciens qu’on apprécie beaucoup, un petit film « facile » en équipe réduite.

Et c’était génial ! Pas le film en lui-même, ça je n’ai aucune idée de si on a réussi à faire un truc bien. Mais travailler ensemble à élaborer une vision commune, profiter de l’expertise de chaque corps de métier pour passer deux jours au top, efficaces et agréables en sachant tous ce qu’on souhaitait obtenir comme résultat, c’était une vraie expérience de pur bonheur. Peu importe au final si le film est bien, je garderai le souvenir de ces journées où on a su être pro, efficace et bienveillant à la fois.

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Le reste de l’équipe est trop occupé à être en vacances pour vous raconter leurs coups de cœur, alors on se retrouve début septembre pour ceux d’août !

L’article Les coups de cœur de la rédaction : juillet 2026 est apparu en premier sur Cinématraque.

Danzuka n’avait que 27 ans quand il a présenté Des Fleurs pour Tokyo (sous le titre anglais Brand New Landscape) à la Quinzaine des Cinéastes du Festival de Cannes en 2025. Plus d’un an après, son film arrive enfin dans nos salles obscures en plein cœur d’un été écrasé par les chaleurs caniculaires, qui semblent seoir à un film conçu autour de l’anesthésie autant verbale que sentimentale. On retrouve une dizaine d’années plus tard Ren, le fils de la famille devenu adulte. À Tokyo, il vivote à livrer des orchidées à des clients aisés, travail qu’il traverse comme l’existence, tel une âme en peine. À peine continue-t-il de parler avec sa soeur Emi, qui préfère à s’installer avec son nouveau compagnon. Les deux jeunes adultes sont encore marqués par le suicide de leur mère, qu’ils imputent à l’abandon du foyer par leur père Hajime. Un jour cependant, les chemins du père et de son fils vont finir par se croiser de nouveau…

Le personnage d’Hajime s’est fait un nom comme architecte-paysagiste, dessinant notamment les plans d’une zone commerciale fréquentée du quartier de Shibuya, le quartier commerçant emblématique de Tokyo connu entre autres pour le Shibuya Crossing, son célèbre carrefour à cinq rues zébré d’immenses passages piétons, immortalisé dans une quantité astronomique de films, séries et jeux vidéos. Ce choix n’a rien d’un hasard pour Yuiga Danzuka, lui-même natif de la capitale nippone, tant il symbolise le tumulte et l’agitation d’une métropole souvent dépeinte comme grouillante, active et démesurée.

C’est pourtant un autre Tokyo que se plaît à filmer le jeune cinéaste, un Tokyo plus fidèle à l’image de la ville dans laquelle il a grandi. Une ville plus morne et dévitalisée, comme contaminée par l’apathie qui frappe le jeune Ren. Errant à travers des rues anonymes, il semble comme Tokyo elle-même: en quête de sens. Et les retrouvailles fortuites avec la figure paternelle rejetée ne sera pas tant pour lui une révélation que le début d’une quête intérieure quasi insoluble.

Le jeu de dialogue micro-macro qui s’opère en permanence entre les personnages et l’architecture tokyoïte est la matrice narrative et émotionnelle de Des fleurs pour Tokyo. Ça tombe bien, ce procédé très apprécié du cinéma d’auteur contemporain d’investissement du décor urbain comme entité signifiante fait partie des marottes thématiques de l’auteur de ces lignes. Le tableau ne serait cependant pas complet si l’on oubliait de souligner l’importance diffuse de la musique composée par Ryo Teranishi, une succession de nappes ambiantes caractérisées par leur sens de la dissonance légèrement abrasif, contribuant à renforcer l’inconfort existence qui caractérise le jeune héros du film. Théoriquement fécond, le film de Yuiga Danzuka bénéficie également des compositions nuancées et en retenue de son casting principal, porté notamment par Ken’ichi Endô (Visitor Q de Takashi Miike) et surtout Kodai Kurosaki, visage incontournable du cinéma nippon en cet été 2026 puisque également à l’affiche de Sous le ciel de Kyoto d’Akiko Ohku actuellement en salles et prochainement de Soudain d’un certain Ryusuke Hamaguchi, dont il est possible que nous ayons pu parler à une ou deux reprises dans les colonnes de Cinématraque.

Des fleurs pour Tokyo reste cependant un exercice assez aride, parfois un peu timoré (ce qui n’est pas déshonorant pour un premier long-métrage), parfois paralysé par ses propres enjeux. La maîtrise filmique et discursive de Yuiga Danzuka ne se défait pas d’un certain rigorisme qui le laisse à distance de ses personnages, nous privant par moments de l’émotion recherchée. Son film n’en demeure pas moins une étude de caractères réussie, réinvestissant un paysage urbain montré comme rarement ailleurs, avec une authenticité bienvenue.

Des fleurs pour Tokyo de Yuiga Danzuka avec Kodai Kurosaki, Ken’ichi Endô, Haruka Igawa, sortie en salles le 5 août

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On a donc pu s’entretenir avec le réalisateur Matt Halsall et le producteur Pierce Conran à l’occasion de leur passage à Montréal.

Cinématraque : Juste pour replacer un peu les choses dans leur contexte, comment des Européens partent travailler et vivre en Corée ?

Matt Halsall: J’ai vu Old Boy quand j’étais ado, j’étais vraiment à fond dans le cinéma coréen, comme Deux sœurs ou Memories of Murder. Ce genre de films réalisés par des réalisateurs du début des années 2000, ça a en quelque sorte déclenché mon intérêt pour les films coréens et la culture coréenne. Puis quand j’ai obtenu mon diplôme universitaire, je suis parti vivre en Corée pendant un an en tant que professeur d’anglais. Vers la fin de cette année-là, j’ai réalisé un court-métrage qui a bien marché et a été présenté dans un festival, mais il m’a aussi permis de trouver des représentants, des agents… Et c’est comme ça que je me suis lancé dans l’industrie coréenne. Avant de travailler sur Idols, j’ai travaillé pendant quelques années comme scénariste dans une société coréenne. Ma femme est coréenne, j’ai un enfant ici en Corée, donc je suis bien installé là-bas. J’ai travaillé comme scénariste sur certains projets aux États-Unis, donc je continue à collaborer avec des sociétés hollywoodiennes où, évidemment, les cachets sont plus élevés. Mais pour une raison ou une autre, je veux d’abord me faire une idée de la Corée avant de tourner des films ailleurs.

Pierce Conran: Je suppose que c’est un peu la même histoire. J’étais tout simplement fasciné par ce nouveau style de cinéma que je n’avais pas vraiment vu auparavant. Et j’avais en quelque sorte envie d’en savoir plus sur la Corée et sur ce qui rendait ces films si particuliers. J’ai écrit ma thèse à l’université sur Memories of Murder, j’allais à des colloques universitaires et à des festivals de cinéma. Puis certaines personnes m’ont suggéré d’aller en Corée, que ça pourrait me plaire. J’ai fait le grand saut et j’ai eu beaucoup de chance. Très rapidement, je me suis retrouvé à travailler au Conseil coréen du cinéma. À partir de là, j’ai en quelque sorte touché à tout ce qu’on peut faire dans l’industrie cinématographique : en tant que producteur, bien sûr, mais aussi en tant que traducteur de scénarios ; avant, je faisais un peu de sous-titrage. Je suis consultant pour des festivals de cinéma et des sociétés de production, et il m’arrive parfois de jouer la comédie. Ça fait 15 ans maintenant, je suis marié depuis près de 10 ans avec une cinéaste coréenne (Kyoung-mi Lee, on y reviendra plus bas, NDLR).

Comment est né Idols ?

MH: Avec ce projet, et sans doute aussi avec certains autres projets sur lesquels on travaille, il s’agit d’essayer de créer des œuvres de genre un peu plus folles et décalées avec un budget plus modeste, parce que je trouve qu’en Corée, les films sont devenus tellement chers. Et quand les coûts augmentent, les considérations commerciales prennent le dessus.
PC: Il y a plus de prudence, moins de risque.

Quelle était l’idée derrière le pitch ?
MH: Au départ, il y a un anime japonais qui fait partie de mes films préférés, Perfect Blue. Quand j’ai commencé à écrire, j’ai rédigé un scénario de long-métrage sur le même principe qui se déroulait à Los Angeles. Et puis, ce service de streaming japonais, Samansa, a acquis les droits d’un de mes courts-métrages et m’a proposé de me payer pour réaliser d’autres courts-métrages, notamment un court-métrage original. Je me suis donc dit : « Je vais le faire en court et l’adapter à la culture coréenne. » Et puis, pendant ce processus d’adaptation, on a discuté de la manière de l’ancrer en Corée et d’y intégrer la culture des idols. La K-pop est clairement un phénomène culturel énorme en ce moment, mais la plupart des médias ou des films qui en parlent en donnent une image très joyeuse. Je ne veux pas être ce type qui ne voit que le côté sombre de la K-pop, mais je me suis dit qu’il y avait quelque chose d’intéressant dans ces deux sosies, l’une qui connaît le succès et l’autre qui le poursuit désespérément. Et ça a été une expérience intéressante pour moi en tant que scénariste, parce que quand j’écrivais la version américaine, j’avais des éléments culturels américains spécifiques en tête. Je me demandais comment cela fonctionnerait dans le contexte coréen, mais puisque la Corée est un pays où la concurrence est très rude, ça s’est bien goupillé. Et Hojo, notre actrice, a fait un travail incroyable.

Et vous Pierce, comment vous êtes-vous retrouvé impliqué dans ce projet ?
PC: En fait, Matt et moi, on se connaît depuis un bon moment, et il m’envoyait souvent ses notes, juste pour avoir mon avis, quelques remarques. L’une d’entre elles concernait cette idée de double et quand Samansa l’a contacté pour lui proposer de créer une œuvre originale, il m’a simplement demandé de la produire. C’était l’occasion de travailler ensemble, ça s’est bien passé, et on fini par lancer notre propre société de production en Corée (Double Dip, NDLR.)

Le film évoque la compétitivité du milieu de l’entertainment coréen et s’ouvre sur une audition. Est-ce que c’était tout aussi compétitif pour votre actrice principale ?
MH: Oh non, je la connais depuis environ quatre ans, le rôle était pour elle. Je lui ai juste dit : « Hey, Hojo, ça te dirait de tourner un court-métrage ? » Et elle était d’accord (rires.) Je sentais qu’elle avait une sorte d’aura particulière qui, selon moi, était parfaitement adaptée à ce rôle. C’était difficile, la façon dont on a tourné le film, parce que beaucoup de choses n’étaient pas dans l’ordre. Elle passait constamment d’un personnage à l’autre et on n’avait pas le temps de faire beaucoup de prises. Honnêtement j’ai été très impressionné. Et évidemment, la nature même du film est telle que s’il n’y a pas une bonne interprétation, il n’y a pas de film. On peut dire ça de beaucoup de films, mais dans ce cas précis, c’est particulièrement vrai.

Étonnamment, la première fois que la star rencontre son sosie, elle pense tout de suite à appeler sa mère pour lui demander si elle a un enfant caché, plutôt que de dire « oh, tu as subi une opération de chirurgie esthétique pour me ressembler », une opération de plus en plus répandue…
MH: Pour être honnête, ce passage vient du long-métrage, donc ça s’est en quelque sorte glissé là-dedans. Normalement, elle dit : « Oh, maman, je sais que tu as couché avec plein de mecs quand tu étais plus jeune » mais on l’a coupée pour le rythme. J’ai juste trouvé ça assez drôle : la réaction normale aurait été du genre : « Tu as fait de la chirurgie esthétique ? » Mais au lieu de ça, c’est : « Maman… ».

Donc si je comprends bien, il y a un long métrage en préparation !
MH: Il y a un scénario déjà écrit en tout cas.
PC: Ça vient d’un grand marché de projets en Corée qui s’appelle « Network of Asian Fantastic Dreams », où on a remporté un prix.

MH: Faire le long a toujours été notre intention, l’idée était de profiter au maximum de cette opportunité de promotion avec le court et, en gros, dire : « Écoutez, si vous aimez le court-métrage, on a le scénario du long-métrage prêt à être tourné. »  Et puis il y a aussi ce scénario hollywoodien que j’ai écrit il y a quelques années : on l’a présenté à certaines sociétés à Los Angeles qui l’ont apprécié, mais elles nous ont dit : « On ne travaille pas en coréen ». On pouvait tout de suite leur répondre : « Voici la version anglaise ». Donc, Idols est en quelque sorte une preuve de concept.

Quelle est votre version préférée entre l’américaine et la coréenne ?

MH: Mon projet préféré, c’est celui qui dispose des fonds nécessaires pour être réalisé (rires.) Pour être honnête, ça arrive souvent en Corée actuellement : il y a beaucoup de producteurs qui proposent un concept puis qui envisagent d’en faire une version indonésienne ou thaïlandaise parallèlement à la version coréenne. Je suppose que je me trouve dans une situation unique, dans la mesure où j’ai passé du temps aux États-Unis et où je comprends la culture américaine, mais j’ai longtemps vécu en Corée, donc notre entreprise peut s’occuper des deux scénarios à la fois. C’est l’une des choses qui nous distingue, je pense, et dans laquelle nous nous sentons particulièrement à l’aise : travailler sur ce genre d’idées et de concepts, mais en les adaptant à différentes cultures.

Pour en revenir au film, comment avez-vous envisagé cette scène pivot où les deux personnages se rapprochent, au lieu d’une scène d’action plus longue par exemple ?
MH: Pour moi, ce qui rend le film de genre intéressant, c’est quand le travail sur les personnages est également intéressant et qu’on se sent, disons, attaché à ces personnages. C’était important qu’il y ait un moment où le film atteigne son paroxysme et où les émotions entre elles paraissent réelles. D’ailleurs c’est l’une des choses que j’apprécie dans les films coréens : ce mélange de tons, où les émotions semblent authentiques, où tout à coup, ça devient très violent, puis ça prend aussi une tournure un peu drôle. Park Chan-Wook est passé maître en la matière. Et donc je pense qu’en écrivant cette scène, mon seul objectif était d’amener le film à un moment où l’on ressentirait cette émotion authentique.

D’ailleurs le personnage de l’actrice ne joue pas vraiment tant que ça, bien qu’elle prétende ensuite le contraire.
MH: Oui même si elle jouait un rôle, il y avait quand même une part de vérité là-dedans. J’ai aussi réfléchir à l’idée de la performance, parce que c’est ça les acteurs : ils jouent mais en même temps, ils disent une vérité. Il y avait donc plusieurs niveaux de lecture. Et puis quand Hojo l’a interprétée, c’était naturel aussi, elle avait plein de suggestions sur le plan de l’interprétation, et la collaboration avec elle sur cette scène l’a vraiment sublimée.

Est-ce qu’on pourrait considérer la fin comme une sorte d' »happy ending » pour l’un des personnages? Mon interprétation, c’est que l’une d’entre elles a gagné plus d’une chose à la fin.
MH: C’est un peu comme ça que j’aime ces scènes de fin en tout cas, quand c’est un peu bizarre et déjanté. Elle obtient ce qu’elle veut, d’une certaine manière, oui. Et puis il y avait aussi l’idée d’une scène dans la scène, où elle joue cette scène de bonheur un peu mièvre tirée du film de patinage. Je pense qu’une grande partie du film repose sur cette idée de jeu d’acteur à plusieurs niveaux, et Minha, elle aussi, joue en quelque sorte tout le temps. Il y a la Minha du début, qui a cette attitude défensive et une certaine apparence. Et puis il y a la Minha de la fin… Et donc, oui, c’était comme si elle jouait en quelque sorte dans ce film au sein d’un film qui se termine bien. Mais bien sûr, pour le public, il y a ce sentiment étrange qui reste. J’ai aussi repris en quelque sorte le plan final de Perfect Blue, celui où l’actrice sourit en baissant les yeux, pour lui rendre hommage.

Pierce, vous avez parlé de notes sur le scénario, dans quelle mesure vous êtes-vous investi dans l’écriture ?
PC: Eh bien, je ne dirais pas que j’y ai mis une partie de moi-même (rires). Il s’agissait surtout d’aider à l’adaptation coréenne. Il y avait certains éléments de l’histoire qui, selon moi, ne sonnaient pas tout à fait juste en Corée, et il fallait que ça paraisse un peu plus naturel au niveau local. Il faut être très conscient du fait que nous sommes des étrangers qui réalisons un film coréen. La prudence était de mise pour le court-métrage et pour le long.
MH: Pierce et moi, on travaille en étroite collaboration au sein de la société. Il est très doué pour les notes de scénario, et il est aussi monteur, donc avec son regard dessus, ça devient bien meilleur. Il est toujours critique de cinéma aussi, donc il a un bon point de vue pour comprendre les films côté public.

Comment s’est passé la première mondiale à Fantasia, que retenez-vous des réactions ?

MH: Il y a des moments où je pensais que les gens allaient rire et ne riaient pas, et vice-versa. Je me disais : « Oh, peut-être que ce moment était plus drôle que je ne le pensais. » C’était une expérience un peu surréaliste pour nous en tout cas, car nous avons terminé le film il y a environ quatre mois, mais au cours de ces quatre derniers mois, nous nous sommes contentés d’envoyer le lien à plein de gens. On avait donc l’impression qu’il était déjà sorti, mais on ne l’avait pas encore visionné en groupe, et on est évidemment très reconnaissants envers le festival, car ils l’ont programmé avant un long-métrage projeté dans la grande salle du rez-de-chaussée et qu’on a donc eu un très large public. Vous avez justement mentionné avoir vu un court-métrage qui est devenu un long-métrage (Mum I’m Alien Pregnant, NDLR) et pouvoir présenter le court-métrage ici et nous faire connaître et nouer une relation avec le festival, je pense que ça nous met en bonne position pour revenir quand on fera le long-métrage.

En tout cas, d’habitude, Fantasia un public réactif.
MH: C’est drôle, parce qu’en Corée le public ne réagit pas. On s’est vraiment bien amusés ici. Dès que les publicités commencent, les gens se mettent à crier et à miauler. C’est vraiment marrant, on ne voit pas ça en Corée.

Comme notre lectorat est principalement français, y a-t-il un festival en France où on pourrait voir le film ?
PC: Rien pour l’instant.
MH: On l’a envoyé à quelques-uns. On voulait le soumettre à celui de Clermont-Ferrand où il y a un gros festival de courts-métrages, mais on n’avait pas encore fini le film. Peut-être l’année prochaine ! (La prochaine édition est en janvier, NDLR.)

Dernière question : avez-vous des séries télévisées ou des films coréens moins connus à recommander ?
MH: Le film de la femme de Pierce, Lee Kyoung-mi ! C’était un grand succès en Corée – à l’étranger, il s’intitule The Truth Beneath (co-scénarisé par PCW, NDLR !) Il y a aussi le jeune réalisateur Park Sye-Young , qui a présenté un film ici, Fifth Thoracic Vertebrae (NDLR: vu à Fantasia en 2022, c’est intéressant effectivement.)
PC: Killing Romance, dont on parlait plus tôt (un de mes films préférés de Fantasia 2023, NDLR), et dans lequel j’apparais rapidement (rires.) Lee Won-suk, le réalisateur, est un ami et il a vraiment aimé notre court-métrage. Certains éléments d’Idols, visuellement en tout cas, s’inspiraient de Killing Romance et de son travail, donc c’est génial qu’il l’ait apprécié.
MH: En ce qui concerne les séries, il y en a une qui est sortie il y a quelques mois qui s’appelle We’re All Trying Here ; elle est sur Netflix et elle parle de l’industrie cinématographique coréenne. C’est probablement la meilleure série que j’ai vue cette année, je crois.

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Le pitch de départ est assez simple mais efficace : Mary est en galère dans sa vie de jeune adulte et habite encore chez sa mère, pour le moins envahissante. Elle tombe enceinte par accident de son nouveau voisin, Boo, à peu près dans la même situation qu’elle mais qui a de plus la particularité d’avoir un organe génital très… différent. S’ensuit une grossesse express, des situations très loufoques entre les deux jeunes gens et leurs mères respectives et tous.tes celleux qui seront concerné.e.s de près ou de loin par cet enfant non désiré.

Le passage du court-métrage au long peut être casse-gueule, mais c’est ici une transformation réussie. C’est bien dégueu – pas dans le genre sanglant, juste beaucoup de body horror à base de sécrétions diverses et variées, drôle très souvent, mais aussi et surtout d’une sacrée justesse dans un certain rendu de l’expérience humaine et particulièrement féminine face au corps médical, et plus particulièrement de comment une femme enceinte peut être traitée comme ne s’appartenant plus. C’est en effet là que le film prend toute son envergure, surtout quand on sait qu’il a été réalisé par deux hommes, le duo néo-zélandais connu sous le nom de Thunderlips (rien à voir avec le groupe de musique ou Hulk Hogan), composé de Sean Wallace et Jordan Mark Windsor.

La pauvre Mary, en plus d’affronter une grossesse ni désirée ni humaine, doit gérer sa mère, le père de l’enfant, la belle-mère qui ont tous.tes un avis sur la situation, le médecin qui sait évidemment mieux qu’elle ce qui se passe dans son corps et ce qu’elle devrait faire, etc. Dès lors qu’elle comprend qu’il y a un corps étranger dans le sien, elle s’épuise, et nous avec, devant l’absence d’aide apportée, que cela parte de bons sentiments ou d’un paternalisme éculé. À bout de forces/de solutions/de tout, elle tente même de s’auto-avorter sur la table de l’échographiste, scène que j’ai presque autant ressentie dans ma chair que celle de L’Évènement.

C’est en cela que Mum, I’m Alien Pregnant est un film de genre (le cœur de métier de Fantasia, NDLR) réussi : sous couvert de grotesque, de gros jets liquides cracra et de beaucoup d’absurde (la scène avec le policier, du grand art), ce qu’on nous suggère explicitement ou en filigrane dit quelque chose de nous, de nos vécus et de traumatismes. On tire aussi notre chapeau aux réalisateurs – de genre MASCULIN, rappelons-le encore une fois – pour cette fin, qui préserve l’intégrité du choix de Mary, sans jamais la juger. Plus qu’à souhaiter que ce film trouve son chemin et qu’ils puissent en faire d’autres !

Mum, I’m Alien Pregnant de Thunderlips/ Sean Wallace et Jordan Mark Windsor. 1h35. Prochainement en salles en France ???

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C’est peut-être la situation parfaite pour que Marvel se relance tranquillement, avec des blockbusters honnêtes. Toujours remplis de leurs défauts habituels (une peur panique de faire du storytelling visuel, d’assumer des choix esthétiques sans les massacrer au montage, une formule scénaristique qui ne laisse que peu de marge de manœuvre aux tentatives de renouvellement…), mais avec une sincérité et une cohérence qu’on a pu leur connaître autrefois. Spider-Man est une valeur sûre, son casting sait remplir les salles et les trois films de Jon Watts ont été des cartons ahurissants malgré le fait qu’au moins deux sur les trois soient absolument abjects. Alors si on le remplace par un réalisateur un peu plus talentueux (Destin Daniel Cretton, qu’on apprécie pour Short Term 12 et Wonder Man, moins pour Shang-Chi), on se dit que la barre quasiment au sol ne peut que remonter. Ne serait-ce qu’un peu.

Et c’est vrai ! Spider-Man Brand New Day est une proposition de divertissement estivale honnête et plaisante, qui n’échappe à aucun des problèmes inhérents au mode de production de Kevin Feige pour son Marvel Cinematic Universe, mais qui parvient néanmoins à surnager grâce à des qualités indéniables. Comme quoi cette année New York a tout pour elle, entre l’élection de Mamdani et la victoire des Knicks…

Pour parler du film rapidement, il va falloir que je spoile. On nous a demandé de ne pas trop le faire, mais je ne vois pas comment parler sans révéler beaucoup de choses, donc je vous avertis ici : si vous ne voulez rien savoir, arrêtez-vous là. Allez plutôt lire nos comptes-rendus du festival Fantasia, c’est très chouette aussi.

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On retrouve Peter Parker après qu’il a tout perdu suite au chaos multiversique de No Way Home. Le seul moyen de sauver le monde étant de faire oublier au monde qui il est, Peter a dû effacer son identité et ainsi ses camarades Avengers, son meilleur ami Ned et sa petite amie MJ ne savent plus qui est Spider-Man. Le jeune homme entame alors une carrière de vengeur masqué à temps plein, laissant derrière lui Peter Parker et se noyant dans le costume jusqu’à en oublier de vivre. Bien sûr, le film se concentre sur les aventures pleine d’actions, de super-méchants et autres personnages hauts en couleur, parce que c’est en partie pour cela que l’on vient, mais le cœur du récit est bien évidemment les futures retrouvailles entre Peter, MJ et Ned. Vont-ils le reconnaître ? Auront-ils vraiment tout oublié de lui ? Est-il capable de rester loin d’eux pour les protéger ? Le scénario doit donc trouver des excuses pour les rapprocher, ce qui passe par une des bonnes idées du film : donner vie à New York. Si on reste loin de la représentation de la ville sous le joug de Sam Raimi qui savait vraiment donner un souffle aux citoyens en leur offrant des personnalités distinctes et une vraie présence autour de Spider-Man, c’est la première fois ici dans le MCU que la Grosse Pomme paraît aussi palpable, réelle, remplie. Aussi on ne s’étonne pas tant lorsque Peter croise Ned dans un commerce, parce que cela s’intègre au reste.

Mais la vie de Peter Parker est au placard, et c’est donc celle de Spider-Man qui prend d’abord le dessus. Cela permet d’avoir une surcharge de cameos et seconds rôles de personnages en tous genres, à commencer par Frank Castle. Le Punisher de Jon Bernthal fait ici sa première apparition sur le grand écran après avoir séduit les téléspectateurs de Daredevil il y a des années, et c’est une vraie réussite. La rencontre entre son univers sombre et dépressif et le côté naïf et jovial de Spider-Man donne vie à un duo amusant et touchant, où chacun est une sorte de miroir déformant des névroses de l’autre. On a aussi une apparition de la nouvelle Black Widow, jouée par notre chouchou Florence Pugh, dans une scène complètent goofy et grotesque qui semble tout droit sortie d’un comic book de Matt Fraction, ainsi qu’une superbe scène d’action (et c’est pas si courant dans le MCU) impliquant le Hulk. De manière générale d’ailleurs, côté cascades et chorégraphies on est avec Brand New Day dans le haut du panier de Marvel. La physicalité de Spider-Man, de son corps agile mais aussi et surtout de ses toiles n’a jamais été aussi bien utilisée chez l’empire de Mickey, et même si on regrette souvent que certains choix brillants soient abimés par le montage qui n’ose pas faire confiance au spectateur en coupant toujours trop vite les plans spectaculaires, ça reste plutôt cool. Vers la fin du film on peut voir Spider-Man affronter les ninjas du groupuscule The Hand, et là aussi on est sur le nec plus ultra de ce qu’une production aussi formatée peut offrir. Les combattants agissent précisément comme les doigts d’une main, en se déployant les uns avec les autres sans jamais se séparer, les uns s’aidant de la force des autres pour mieux frapper.

C’est du côté de l’antagoniste du film que le scénario trouve le moyen de rassembler les intrigues personnelle et super-héroïque, puisqu’on a affaire à une télépathe capable de prendre le contrôle des gens et sonder leurs mémoires. C’est ce qui rassemble MJ et Peter bien malgré eux, pour des scènes qui font très certainement partie de celles pour lesquelles il y a eu des réécritures de scénario. Pour le contexte, il semblerait que Tom Holland ait été très impacté par le tournage de L’Odyssée et a pris goût au fait de produire des bons films. Il aurait donc apparemment insisté pour que ce film Spider-Man soit réécrit, probablement pour donner plus de places aux acteurs pour jouer réellement. Et lorsqu’on voit que Justin Kuritzkes, scénariste de Challengers (sur lequel Zendaya est productrice en plus d’être actrice, ne l’oublions pas), mentionné au générique pour des « additional literary elements », on peut se demander si ce n’est pas justement Holland qui a utilisé les contacts de sa femme et camarade de jeu pour élever un peu le niveau du film au dessus de la médiocrité devenue norme du MCU.

Là où le film est d’ailleurs intéressant à ce titre, c’est qu’il esquive (en partie seulement hélas) un des gros écueils des films du Marvel Cinematic Universe, et notamment des films Spider-Man. En effet, le MCU a une fâcheuse tendance à faire de ses personnages de grands méchants des gauchistes un peu trop énervés, qui ne savent pas que la violence n’est pas une solution. Les super-héros de ce fait deviennent des superflics chargés de faire respecter l’ordre d’une société apparemment parfaite, dans laquelle les grands patrons (Tony Stark) sont des génies visionnaires et leurs adversaires (des employés de Stark Industries, comme dans Homecoming ou Far From Home) sont des hommes et femmes de la classe populaire qui ont compris que leur seul moyen d’être entendu, c’est de tout casser.

Cet extrême centrisme plutôt pathétique est relativement mis à mal par Sadie Sink qui joue ici (attention fermez les yeux c’est le plus gros spoiler du film apparemment, même si tout le monde avait deviné) une version antagonistique de Jean Grey, la mutante rousse des X-Men. Spider-Man protège donc la gentille boîte privée Damage Control et son gentil patron humaniste des attaques de la dangereuse mutante incontrôlable… Heureusement, et c’est là où le film retrouve un peu l’esprit populaire du super-héros piqué par une araignée radioactive/génétiquement modifiée, la vérité n’est pas là. Évidemment que le patron n’est pas un type bien et que la boîte a des pratiques abjectes en secret ! On nous amène alors à compatir avec Jean Grey… qui reste néanmoins une sorte d’antagoniste prête à faire des victimes collatérales pour retrouver la seule personne qui compte dans sa vie. Cela reste léger, mais cela peut prouver que le MCU est peut-être capable de mieux écouter le cœur qui bat des sociétés actuelles : dans le New York de 2026, le New York de Mamdani, les citoyens ne peuvent pas être les ennemis. Ce sont les corporations, les élites et les puissants. On peut aussi ajouter à cela des embryons de réflexion sur la modification génétique, l’eugénisme et les limites morales que la science doit s’imposer, qui déjà ouvrent la voix pour le futur retour en grande pompe des X-Men au cinéma.

Un mot sur la toute fin du film, tant qu’on est dans les spoilers : à la sortie de la projection presse, tout le monde n’était pas d’accord sur le fait que Ned reconnaisse enfin Peter. Pour moi, l’échec de la compréhension de la séquence est dû au fait que le film a essayé, brièvement, de faire du storytelling par l’image, et que c’est si rare dans le MCU qu’on n’y est plus habitué. En effet lors de la bataille finale, Jean Grey utilise son contrôle mental sur toute une partie des New Yorkais qui se retrouvent figés dans une sorte de stase. Regardez bien alors les plans sur Zendaya durant cette séquence, qui semblent suggérer que l’action télépathique de Jean Grey a un impact sur le sort lancé par Docteur Strange dans le film précédent. Ce n’est pas extrêmement clair car le tout n’est pas forcément bien pensé, mais personnellement il m’a semblé évident lors du visionnage que le choix d’une méchante aux pouvoirs de télépathie était forcément lié à un problème scénaristique : comment faire pour forcer Ned et MJ à se souvenir de Peter ? L’avenir nous le dira. De toute façon le film aura des suites, vu qu’il va faire un carton astronomique.

En tout cas, le MCU a besoin de films plus resserrés et sincères comme celui-ci. Il ne faut surtout pas repartir tout de suite dans de grandes sagas cosmiques ou multiversiques, et se concentrer sur ce qui fait l’âme de ses héros afin de reconstruire son univers. Chaque chose en son temps. D’ailleurs c’est quoi le prochain déjà ?

Ah.

Ah oui.

Bon, tant pis.

Spider-Man Brand New Day, un film de Daniel Destin Cretton, avec Tom Holland, Zendaya, Jon Bernthal, Florence Pugh, Mark Ruffalo. En salles le 29 juillet 226.

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Laissés à eux-mêmes sur un îlot au milieu de la forêt canadienne, Sam et Paul doivent s’entraider pour retrouver leur chemin vers la civilisation. Le synopsis promet alors une exploration de la moralité de ses personnages et une remise en question de la notion de justice, alors que l’instinct de survie prend le dessus sur la rationalité. Réalisé et coécrit par la cinéaste Wiebke von Carolsfeld, Someone’s Daughter se base sur une prémisse nouvelle : la relation qui unissait une avocate à son client laisse place à une collaboration forcée, où leurs vrais visages se révèlent. Un concept intéressant sur le papier… mais qui ne se retrouve malheureusement pas à l’écran.

Survie partout, justice nulle part

Tourné pendant un mois dans la forêt canadienne, Someone’s Daughter profite de l’immensité de ses paysages (et de la belle photographie de Léna Mill-Reuillard) pour mieux y enfermer ses deux personnages principaux, complètement livrés à eux-mêmes. La peur de se perdre, de tomber sur un animal sauvage, de ne plus avoir à manger ou à boire… L’aspect survival du film reste assez classique, mais efficace. Le souci, c’est que c’est à peu près tout ce qu’on peut y retrouver, alors qu’on pense partir d’une vision assez inédite : celle d’un père prêt à faire justice lui-même en enlevant celui qui était accusé d’avoir violé sa fille… et la femme qui l’a défendu lors de son procès. Les toutes premières minutes du film sont particulièrement angoissantes, l’image floutée empruntant le point de vue de Sam, droguée et attachée alors qu’elle n’a aucune idée de l’endroit où on l’emmène. En les abandonnant chacun avec une arme, on aurait pu imaginer que le plan de ce père de famille aurait beaucoup plus d’impact sur le récit.

Le film aurait alors pu devenir un véritable face-à-face entre Sam et Paul. Leur relation aurait pu être complètement remise en question, en explorant ce lien qui attache un avocat à son client, qu’il soit coupable ou non… ou justement ce que cela peut être de défendre quelqu’un que l’on sait pleinement coupable. Il y a quelque chose d’intéressant à ce que Paul soit incarné par un acteur devenu une véritable icône en quelques mois, et à qui on donnerait le bon Dieu sans confession. Et c’est évidemment un personnage qui joue de cette apparence : Paul se comporte tout d’abord comme un enfant gâté et ingrat, laissant Sam mener le chemin ou prendre toute initiative pour assurer leur survie. Et si l’acteur joue très bien, le problème est qu’on a davantage l’impression que le film cherche à rendre son personnage sympathique et à oublier l’éléphant dans la pièce.

Quand le kidnappeur dit à Sam qu’il voulait voir ce qui se cachait derrière tout son maquillage, et qu’elle est elle aussi « la fille de quelqu’un », on pense là aussi que le scénario explorera ce que c’est d’être une avocate défendant un homme accusé de viol. En plus de rendre le personnage de François Arnaud sympathique, la « tension » qui se crée entre Sam et son ancien client est elle aussi à deux doigts de rendre le film nauséabond. Sur une heure et demie, ce n’est qu’à quasiment vingt minutes de la fin du film qu’on se rappelle qu’en fait, ce serait peut-être bien de ne pas oublier son principal sujet. Ce qui aurait donc dû être traité tout le long est alors expédié en quelques scènes au bord du ridicule, où l’on oublie complètement la victime initiale ou son père. Reste toutefois la belle performance de Pascale Bussières, prête à se libérer de l’emprise de son client… et à exercer malgré elle une certaine forme de justice.

Someone’s Daughter, un film de Wiebke von Carolsfeld. Avec François Arnaud et Pascale Bussières. Présenté en première mondiale au festival Fantasia. Sortie canadienne prévue le 23 octobre 2026. 

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Blaise et la famille Sauvage sortent tout droit de l’esprit de Dimitri Planchon, auteur de bandes dessinées, qui avait déjà porté cet univers au format sériel sur Arte, avec de courts épisodes de trois minutes. Pour cette nouvelle adaptation au format long métrage, il a retrouvé son co-réalisateur Jean-Paul Guigue et le studio d’animation Je suis bien content, déjà derrière d’autres succès de la chaîne de télévision franco-allemande comme Silex and the City, mais surtout des films comme Persepolis ou Mars Express !

Une collaboration renouvelée qui permet d’expérimenter l’univers de Blaise et son humour sur un tout autre rythme. Un succès déjà payant, puisque le film a reçu le Grand Prix Contrechamp lors de la dernière édition du Festival d’Annecy, quelques semaines après avoir été montré sur la Croisette dans la sélection de l’ACID. Le voici maintenant de l’autre côté de l’Atlantique, au festival Fantasia, pour sa première sur le continent américain.

C’est un terrible malentendu…

Dès sa première scène, Blaise donne le ton : en rencontre avec la psychologue scolaire, la famille Sauvage veut savoir ce qui cloche avec son fils… ou s’il est surdoué. La réponse est simple et efficace : non, répond la psychologue, tandis que l’image s’attarde sur le regard totalement vide du gamin. Ce premier malaise représente le constant décalage dans lequel se trouve chaque membre de la famille Sauvage, toujours à côté de la plaque. Une sensation qui se renforce à travers l’esthétique même du film, identique à celle de la bande dessinée et de la série : du photomontage numérique avec du papier découpé, à la fois très réaliste et… étrange. Un peu comme si l’univers des Têtes à claques avait rencontré celui d’un autre traumatisme de mon enfance, Angela Anaconda. En jouant sur les échelles et les proportions, un décalage se crée aussi dans la représentation des personnages et renforce ce sentiment de malaise constant.

Comme le répète très régulièrement la mère de Blaise : tout n’est qu’un terrible malentendu. Un gag suffit pour avoir des conséquences terribles : non seulement ce qui arrive à chacun des personnages ne fait qu’empirer, mais le malaise qui en découle se transmet de l’un à l’autre comme une inévitable malédiction. Ce qui naît de situations ou de craintes du quotidien devient alors un n’importe quoi complet. On ne donnera qu’un seul exemple pour ne pas divulgâcher l’intégralité des gags, mais alors que Blaise et son amie Joséphine se tournent autour et ne savent pas se dire qu’ils s’aiment, ils se retrouvent mêlés à des situations quasi révolutionnaires à base de violences policières et de grenades dégoupillées.

Il n’est donc pas très étonnant d’apprendre que Ricky Gervais fait partie des inspirations de Dimitri Planchon, vu son humour particulièrement grinçant, qui emprunte autant à The Office (l’originale comme l’américaine) qu’à tous les moments de la COGIP chez Nicolas et Bruno, ou encore à une petite touche de Fabcaro. Avec des acteurs comme Léa Drucker et Jacques Gamblin dans un contre-emploi total (ils prêtaient déjà leurs voix aux parents de Blaise dans la série animée), difficile également de ne pas craquer face au ridicule de toutes ces situations. Tel est le talent de Blaise : réussir à aller toujours plus loin, même quand on croit qu’un gag est terminé.

Blaise, un film de Dimitri Planchon & Jean-Paul Guigue. Sortie française le 27 janvier 2027. Présenté en première canadienne au festival Fantasia. 

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